L’exposition des diplômé·e·s
2024 & 2025 de l’Ésad Saint-Étienne

A.
Quand les murs se
souviennent des pas

71. 29. 27. 37.

La collecte et la recomposition sont le point de départ des projets présentés dans ce premier diorama. Les alumni s'inscrivent dans une démarche de «glaneur·euse·s>> et puisent dans ce qui est déjà-là, qu'il s'agisse de débris industriels, de souvenirs ouvriers ou de fragments architecturaux afin de proposer de nouveaux récits. Les objets et environnements exposés s'intéressent à la façon dont les formes et les matériaux deviennent des supports de récit. Certaines pièces déplacent ainsi la fonction habituelle de l'objet pour en faire un espace de narration, un prolongement de l'intime ou un dispositif à expérimenter.

      Ici, la broche a une place centrale et se transmet comme un souvenir, un fragment d'histoire. On l'imagine toujours accrochée à un vêtement, mais que devient-elle lorsqu'elle n'est pas portée? La broderie Anamnèse: Broche - Exfiltrer prolonge sa présence, l'expose et la transforme en tableau. Le bijou cesse d'être seulement un ornement du corps, il devient autonome. Ainsi, le présentoir Des archives que l'on porte s'appuie sur cette ambivalence. Ici, le bijou ne transmet pas seulement une histoire familiale et intime, mais une mémoire collective, celle d'un territoire. L'étagère comme la sculpture Le portail des gloutons naissent d'explorations à la fois concrètes et historiques. Elles donnent corps à une mémoire tangible.

      L'architecture aussi est porteuse de mémoire. Ainsi, le jeu vidéo Sentier modulaire propose une ville instable, mouvante où le son et le bâti sont interdépendants. Ici, le temps ne se fige pas, il devient rythme, les sons modifient l'espace, l'architecture répond. La mémoire ne conserve plus, elle transforme.

      « Quand les murs se souviennent des pas » se déploie comme un espace à traverser, pensé pour une approche attentive et rapprochée des productions. Les visiteur·e·use·s sont invité·e·s à circuler entre les pièces, à en observer les formes, les matières et les détails. Du bijou au jeu vidéo, se dessine une volonté commune de transformer la mémoire en ressource.

B.
Le capitalisme
n'a pas de saison

05.1 05.2 44.1 09. 63. 66. 75. 79.1

Une réflexion sur la manière dont nos sociétés organisent le temps, la production et la relation au vivant réunit ici ces projets. Ils interrogent les pratiques dominantes en confrontant l’efficacité aux logiques de soin et de durabilité.

      Le fauteuil Jardin japonais invite à nous accorder au rythme de la nature. Une parenthèse bienvenue face à l’accélération industrielle dont les excès ont provoqué des déséquilibres écologiques alarmants. Ainsi l’animation Le Cycle des Nymphaléens imagine un monde sans pollinisateurs et nous rappelle l’urgence d’agir avant qu’il ne soit trop tard. Ces projets soulignent souvent notre tendance à nous replier sur notre propre individualité. Pourtant, la série d’illustrations Orientations propose de ralentir pour inciter à porter un regard neuf sur les paysages du quotidien, ces lieux de passage que nous parcourons sans y prêter attention.

      La sitcom C’est un tube ! montre que nos villes se sont construites autour de réseaux invisibles. À Saint-Jean-De-Tubes, cette logique souterraine déborde jusqu’au langage : les tubes contaminent le vocabulaire et les modes de communication des habitant·e·s, jusqu’au grotesque. L’imperceptible devient alors visible, exposant les mécanismes industriels qui organisent nos flux, nos rythmes, nos vies. Et le temps n’échappe pas à cette logique. Indestemparis pousse l’idée plus loin en imaginant une société où la relativité du temps gouverne. Nos instruments de mesure ne se bornent pas à quantifier la durée, ils façonnent notre manière de vivre. Ces deux projets nous rappellent que nos infrastructures et nos horloges nous contraignent bien plus que nous ne l’imaginons.

      Si la fiction permet de remettre en question nos modèles de société, la valorisation des rebuts industriels et électroniques offre une façon de la faire évoluer. Le bougeoir À tâtons, par sa réalisation aléatoire à partir d’une matière issue du thermoformage, est une critique des modes de production. Effectivement, la compréhension de la machine et de ses limites ouvre un champ inattendu, permettant de générer de nouvelles formes sans recourir à la surproduction. De même, les lampes et étagères Composer avec les limites interrogent la durée de vie et la valeur des objets.

      A travers ces démarches, la conscience de leurs gestes et de la finitude des ressources et de ses impacts met en exergue la responsabilité des designer·euse·s dans le façonnement de nouveaux modèles de société non uniformisés.

C.1
Il faut ré-apprendre
à lire

76. 67. 35. 40. 59. 77.

Conçues pour être approchées ou activées par les visiteur·euse·s, les pièces rassemblées dans cet espace bouleversent les modèles dominants en explorant nos manières de transmettre et de représenter les savoirs.

      Au cœur de cette exploration, le langage devient une matière vivante, à la fois visuelle et sonore. La série d’affiches Chicha réactive un mouvement graphique populaire des quartiers de Lima. En décortiquant les gestes calligraphiques, dits « ductus », elle élabore un alphabet modulable qui recompose les paroles d’une chanson punk féministe péruvienne. L’écriture se transforme en rythme et révèle la dimension politique d’une esthétique souvent reléguée aux marges. Cette transformation du langage trouve un écho dans la vidéo Poetics of Sound, où des caractères typographiques, convertis en spectrogrammes puis en sons, s’effacent pour laisser place à une expérience sonore et visuelle, où le texte se dissout au profit d’un mouvement perceptible plutôt que lisible.

      Le jeu Une brève histoire de mots prolonge cette réflexion en proposant une autre manière d’accéder au contenu d’un livre à travers la typographie. En déplaçant les codes académiques vers une approche plus sensible et graphique, le projet cherche à rendre accessibles des connaissances complexes. La question de ce qui est transmis traverse aussi le projet graphique Exposition incomplète. Issu d’un travail de recherche sur la place des femmes dans le design graphique, le projet se présente tel un prototype d’exposition diffusé sous forme de cartes postales mises à disposition du public. Elles rendent ainsi visibles des figures souvent absentes des récits dominants.

      L’enjeu de la circulation des savoirs prend une tournure militante dans Her Cyberévolution. Ce jeu vidéo immerge les joueur·euse·s dans des espaces numériques dominés par des discours masculinistes. La déambulation révèle leurs mécanismes de violence, tout en menant vers un manifeste qui appelle à la réappropriation collective de ces territoires. Enfin, la composition Animalis - Chrysocyon Brachyurus revisite les codes de l’illustration scientifique et interroge à son tour les formes pédagogiques héritées. À travers peintures, modules et sérigraphies, le projet crée un écosystème visuel qui interroge notre rapport au vivant.

      De projet en projet, cet ensemble montre que les formes graphiques ne se contentent pas de véhiculer des savoirs, mais participent activement à les construire et à les remettre en cause.

C.2
Ce que touchent
les mains

14. 65. 19. 21. 69. 10. 04.

Qu’ils prennent la forme de sculptures, de modules ou de dispositifs participatifs, ces projets transforment la production en une expérience vivante et collective, où la création ne se limite plus à un objet mais devient un espace de rencontre et d’échange.

      Dans cette dynamique, passé et présent se répondent. Ainsi, les dispositifs Les Utoupies et la Machine Révolutive II réactivent des héritages oubliés pour en faire des outils de transmission et de rassemblement. Dans le village de Marcenod, ce projet réinterprète un patrimoine social en le reliant à une pratique collective impliquant le jeune public. Ainsi, cette machine est conçue pour créer du lien : elle invite à se retrouver autour de récits portés par des formes en mouvement. Cette idée de transition et de mouvement se retrouve aussi dans la performance Échafauder qui pousse cette logique plus loin. Elle fait ressentir la transition entre deux positions du corps en mouvement. Le corps y est à la fois outil, matière et partie intégrante de l’œuvre. Le public, en circulant entre peintures et sculptures, vit physiquement l’espace et le temps de la performance. De la même manière, les modules Module 9x20, conçus pour construire collectivement des cabanes, relient le geste individuel à une création partagée. Chacun·e peut faire d’un matériau commun de récupération, une structure collective.

      Mais que se passe-t-il quand l’œuvre semble faite pour circuler hors des murs de l’institution ? Les sculptures en série Sans titre, présentées dans des cagettes en plastique, sont prêtes à être emportées. Ces pièces reproductibles et faciles à dissi-muler jouent avec l’idée de propriété. Que signifie être artiste dans un lieu conçu pour contrôler les gestes du public ? Le projet bouscule cette limite et nous invite à repenser la valeur des objets et la manière dont les formes voyagent entre les mains. À l’opposé, certaines œuvres ne prennent leur sens que dans la visibilité. Les Pions urbains, ainsi, ont besoin de la ville comme terrain de jeu pour exister. Ils se révèlent dans l’espace public où le jeu devient un langage universel, accessible sans mots. De même la Station de parole matérialise les échanges et l’écoute, rendant visibles des interactions ordinaires que l’on ne remarque plus.

      Du geste au module, de la performance à l’objet à emporter, les projets interrogent nos manières de communiquer, nos normes de représentation et la valeur que nous accordons à ce qui circule entre les mains et les corps.

D.
Entre murs et murmures

42. 60. 38. 11. 18.1 79.2 81. 22. 08. 62.1 34.

Les projets réunis ici interrogent la manière dont les espaces façonnent nos usages et nos imaginaires. Habiter apparaît alors comme une interaction entre les individus, les lieux et les histoires qui s’y déposent.

      L’architecture dessine nos lieux de vie et nos monuments, et façonne l’identité des villes. Certaines œuvres s’emparent du déjà-là, qu’il s’agisse d’espaces ou d’objets, pour le réinvestir et le réinterpréter. Du quartier Bergson à Saint-Étienne aux calanques de Marseille, le Bureau d’études techniques imaginaires et le Marchepied / boîte à livres naissent de bribes de ces environnements, recomposés et réactivés.
La peinture Arche 3 rassemble des fragments architecturaux et propose un châssis où image et support se répondent. Les carafes Collaborare, conçues à partir de bouteilles de vin, se parent d’un nuage de verre inspiré des pierres « graves » typiques du territoire où ce vin, autrefois surnommé « l’eau de Carbonnieux », était produit au Maroc. Par de subtils décalages et des variations d’échelle, ces œuvres transforment notre rapport à l’espace et nous invitent à le ressentir autrement. La Fenêtre de Cobogo et le Marchepied / boîte à livres sont des objets modulables qui sollicitent le corps dans leur usage. Ces projets font directement référence à des éléments architecturaux de différentes cultures, comme les briques creuses brésiliennes Cobogó ou les azulejos, fameux carreaux de faïences portugais.

      À l’inverse, le Bureau d’études techniques imaginaires et la peinture Arche 3 s’inspirent des formes architecturales pour construire une narration plus onirique. L’Assise : Un peu plus haut, elle, crée un lien entre narrateur·rice et lecteur·rice, mettant en avant le désir de générer des espaces de dialogue. Dans une société qui s’accélère, ces lieux de rencontre sont précieux. À l’opposé, l’enceinte Almost Concretion fonctionne comme une communication à sens unique et expose des angoisses habituellement silencieuses. Certaines œuvres nous conduisent à porter notre attention sur d’autres formes de vie. La veilleuse Luci, inspirée par la bioluminescence, recrée dans l’intimité du foyer, l’atmosphère magique de ce phénomène nocturne. D’une autre façon, le totem Co-Habiter, destiné aux pollinisateurs, invite les humain·e·s à réintégrer les insectes dans nos espaces de vie, nous rappelant d’observer et d’écouter le monde naturel qui nous entoure.

      L’espace agit sur nous autant que nous agissons sur lui, et ces projets mettent en lumière cette influence réciproque.

E.
Sous la surface

03.1 03.2 03.3 44.2 43. 15. 50. 13. 02.

Microbes, champignons, gestes anciens, objets abandonnés ou artefacts du futur se répondent dans ce diorama. Les projets orientent notre regard vers ce qui reste invisible, ignoré ou oublié, en créant un dialogue entre le vivant et l’objet.

      Plusieurs œuvres mettent en avant des entités souvent jugées secondaires. Les images-récits Symbiogenesis, les sculptures And, so? et le dispositif sonore Mutualisme pré-cybernétique donnent une présence à ce qui, d’ordinaire, échappe à nos sens. Ces œuvres incitent à élargir notre regard : elles nous poussent à reconnaître et à prendre en compte d’autres êtres. Qu’il s’agisse de transmettre un récit illustré, de jouer sur l’échelle ou de donner voix à une espèce avec laquelle nous ne pouvons communiquer, ces projets invitent l’espèce humaine à considérer les autres formes de vie, quelles qu’elles soient. Cette attention au vivant et aux oublié·e·s se prolonge dans l’urne Le poids des choses et dans le cabinet À l’Orée des naissances en gardant en mémoire des pensées, des éléments du quotidien et des moments fugaces.

      Dans ce diorama, il est souvent question de donner forme à l’invisible, de figer ce qui est éphémère. La sculpture Omega de la fiction Indestemparis se veut être une trace archéologique d’un temps futur, comme une tentative de capter ce qui nous échappe. A l’opposé, la chaise à bascule Balancí mallorquí réactive d’anciens gestes artisanaux, tout en cherchant à faire évoluer ce patrimoine. À travers des temporalités lentes ou cycliques, d’autres pièces explorent l’écoulement du temps : la croissance des moisissures, le développement de micro-organismes ou l’évolution d’une grossesse.

      Ces projets composent un ensemble où l’expérience naît de l’observation, de l’écoute et de la rencontre avec ce qui se manifeste subtilement, rappelant que le monde vivant et ses traces se révèlent à qui prend le temps de regarder.

F.
Sur le fil

20. 30. 31. 41. 84.

Dans cet espace, les questionnements personnels se transmettent par l’œuvre. Plusieurs dualités s’y confrontent et se complètent : le corps et l’esprit, le Je et le Moi, l’action et l’arrêt, l’image et le mot, le vide et le plein.

      Le fauteuil Soma attire l’attention sur les moments de repos dans notre quotidien et invite à ne rien faire. À suspendre l’action. À laisser le corps et l’esprit ralentir. Les fictions sous forme de séries, livres ou jeux vidéo offrent elles aussi cette mise en pause. Elles créent une distance avec nos responsabilités, nous réconfortent en nous confrontant à des personnages auxquels nous pouvons nous identifier. À travers eux, il devient possible de dépasser, ne serait-ce qu’un instant, les limites que nous nous imposons. Ainsi, le dessin numérique Dark Circles naît de moments de dilemme. Cette entité incarne une posture à la fois impulsive et détachée face aux épreuves. Elle traduit une tension persistante entre l’image que l’on donne aux autres et celle que l’on souhaiterait incarner. Le dessin Les Jumeaux prolonge cette exploration introspective. La création d’un univers régi par les propres codes de l’artiste devient un espace rassurant. Mais cet univers est aussi traversé par le regard des autres, qui vient le déplacer, l’altérer.

      À nouveau, dans Ricochets, le graphisme émerge d’un besoin de communication afin de donner forme au chaos des idées, rendre lisible ce qui, au départ, ne l’est pas. Ces images évoquent un flux mental ininterrompu. Pour en saisir la logique, le corps doit s’engager et suivre la ligne, la laisser devenir fil conducteur. La lecture devient active. La fragilité et l’équilibre sont le fil rouge de ce diorama. La sculpture Anicroche est une composition chaotique et désorganisée qui laisse l’espace circuler entre les lames qui la composent. Le bronze vient ici structurer ce désordre apparent et révèle une tension entre équilibre et fragilité sur le point de rupture.

      Ensemble, ces œuvres soulignent l’ambivalence de l’être humain, sa recherche d’équilibre et de stabilité malgré les confusions et les oppositions qui s’imposent à lui. Ce diorama rappelle enfin l’importance de construire des espaces où l’on se sent en sécurité, des zones où l’on peut se recentrer et penser à soi.

G.
Ce que regarde
le soleil

23.1 28. 33. 39. 46. 48. 51. 52.1 52.2 70.

Vacances, bien-être et réussite personnelle constituent le sujet des projets présentés ici. À travers des formes et des images immédiatement reconnaissables, ces références archétypales deviennent des sujets critiques qui interrogent, parfois avec ironie, nos idéaux de détente, de performance ou d’évasion.

      La coupe recomposée Dans 15 minutes tout le monde deviendra célèbre détourne le symbole traditionnel de la victoire pour mettre en lumière le désir de célébrité. Fabriquée à partir de trophées récupérés en recyclerie, elle souligne aussi l’éphémérité de la gloire. En se référant aux sept merveilles du monde, Souvenirs de Système Septem et la Lampe Roma révèlent également notre tendance à transformer chaque instant en expérience spectaculaire. Le patchwork La Lectrice et les dessins 90 minutes explorent la répétition et l’accumulation d’images qui saturent notre quotidien. Les retransmissions télévisées de football diffusent souvent les mêmes plans, révélant la codification du sport et sa transformation en spectacle ritualisé. À travers la mise en scène de personnages stéréotypés, La Lectrice invite les visiteur·euse·s à prendre conscience de leur participation à ces constructions sociales.

      Le diorama interroge aussi notre culture du contrôle et de l’amélioration de soi. Le tapis Biceps place la performance physique au cœur du foyer, tandis que le mobilier sportif L’élan, activé par la synchronisation de deux personnes, privilégie la rencontre plutôt que la performance individuelle. La sculpture typographique réalisée avec la police Syna matérialise la lettre. Seule, elle évoque le mot « Yoga », mais combinée à d’autres formes de son alphabet, elle devient un « Y ». Par son changement d’échelle, la lettre acquiert une présence et apparaît comme un corps en mouvement.

      Les installations Vacances à Beaulieu et La Lectrice évoquent l’imaginaire de l’évasion et des moments de pause. Elles confrontent le privilège de pouvoir s’exposer au soleil et à l’ennui à une réalité plus ambivalente, faite de vulnérabilité et de normes sociales implicites qui structurent la plage. Les échasses Ouvrir les yeux déplacent enfin notre regard sur les temps d’attente du quotidien. Elles transforment ce temps mort en moment d’observation active.

      « Ce que regarde le soleil » montre ainsi comment des formes ordinaires participent à construire nos représentations du bien-être, de la performance et des vacances.

H.
Rien ne se perd,
tout circule

17. 26. 61. 62.2 73. 82. 83.

En détournant les codes de construction, de fabrication ou les logiques économiques, les pièces présentées mettent en lumière des mécanismes habituellement invisibles ou considérés comme évidents.

      Le tabouret Paraform et l’Étagère Jackson réinterprètent des formes techniques liées au bâti, profilés industriels ou plans de bâtiments, pour les rejouer à l’échelle domestique. La lampe Carpet revalorise le linoléum, matériau généralement déprécié, en le détachant de sa fonction initiale. Ces pièces offrent une dimension narrative à des éléments conçus pour soutenir, structurer ou recouvrir, mettant en tension rigueur industrielle et savoir-faire artisanal.

      La question des ressources traverse le diorama à différentes échelles. L’installation 500 briques et les impressions CSIP interrogent notre rapport à la consommation et l’exploitation des ressources. 500 briques s’ancrent dans le sol stéphanois en moulant des briques avec les terres excavées du site de la Cité du design à Saint-Étienne, autrefois considérées comme des déchets de construction. CSIP transpose cette logique d’extraction dans un futur spéculatif extra-terrestre, où les ressources deviennent une nouvelle opportunité pour l’humain·e. La valeur des matières — locales ou fictives — reste toujours façonnée par des choix économiques et politiques. Certaines pièces valorisent le partage des savoirs et la collaboration : l’atelier participatif pour fabriquer 500 briques, l’accès libre aux plans pour créer son propre atelier de production de billets, ou la réalisation des Plaquel·les selon un protocole collectif. Dans une société de plus en plus dématérialisée, elles affirment la volonté de transmettre par le geste des savoir-faire liés à des objets du quotidien en voie de disparition, comme le billet de 5 €. En rendant accessibles des processus industriels complexes, 5E révèle la dimension technique et symbolique qui fonde la valeur et l’autorité de ces objets.

      Enfin, Plaquel·les transpose ces enjeux dans l’espace public. Les interventions autour de statues féminines questionnent la représentation de leur corps dans la ville et la manière dont ils sont sexualisés dans l’espace public. En s’appuyant sur des formes éditoriales et sur l’action collective, ce projet instaure un dialogue critique entre patrimoine, regard contemporain et construction des normes.

      Dans son ensemble, « Rien ne se perd, tout circule » met en lumière les systèmes structurels qui organisent nos espaces, nos ressources et nos représentations.

I.
Les formes
de l’attention

18.2 45.1 45.2 47. 54. 57. 72.

Les pièces ici réunies, envisagent le corps comme un lieu de mutation et une enveloppe à soigner, nécessitant pédagogie et engagement collectif. Représenté ou accompagné, il devient un outil pour explorer des liens avec l’intimité, la santé et les autres.

      Les trois photographies Distortionem et l’illustration Le Naufragé explorent le corps à travers sa transformation. Inspiré de la légende de l’île de Bréhat, Le Naufragé montre un corps qui se fond dans son environnement, perdant contours et identité propre. Dans la série Distortionem, le corps devient méconnaissable : fragmenté, sans repères fixes, ses limites entre peau et matière se brouillent. Dans ces œuvres, le corps n’est plus un modèle stable, mais soumis à des forces physiques ou imaginaires. Si Le Naufragé évoque l’océan comme une vaste masse bleue, les chaises HoulA semblent figer le mouvement des vagues. Visuellement instables, elles matérialisent des structures qui réagissent à la tension et au poids de forces invisibles.

      D’autres projets déplacent cette réflexion vers le soin des corps. Les coussins posturaux Le Reishi et Le 6 pour la micro-sieste au travail proposent une position intermédiaire entre veille et sommeil, offrant une réponse à l’absence d’espaces de repos dans ce milieu. De même, la vidéo Bains publics rue du Treyve documente et rend visible un lieu en voie disparition, pourtant essentiel à la dignité et à l’hygiène. Par le dessin et l’animation, loin des logiques de performance, elle montre comment le soin peut être collectif et discret. Dans cette même logique, les outils de médiation Éclos abordent le corps à travers l’éducation à la sexualité des enfants. Destinés à la fois aux professionnel·le·s de santé et aux parent·e·s, ils sensibilisent les adultes à leur rôle dans la libération de la parole et la transmission des enjeux sociaux et éducatifs liés au corps et aux droits des enfants.

      Corps effacé, corps soigné ou corps discuté, chaque pièce explore notre relation à celui-ci et la manière dont la société lui attribue ou non, une place dans nos espaces de vie. Le diorama dédié aux formes de l’attention met ainsi en lumière ce que signifie la conscience du corps, en invitant à repenser nos responsabilités envers nous-mêmes et les autres.

J.
Le temps
des objets

06. 07. 24.1 36. 53.

Les projets ici rassemblés interrogent la manière dont les humain·e·s transmettent et perçoivent des informations à travers les objets.

      Le disque de grès Éphéméride est un calendrier saisonnier où le temps n’est plus perceptible à travers une suite de chiffres, mais par une série de transformations illustrées par des gravures d’animaux. L’automne s’y manifeste par des comportements, des migrations, des réserves ou des disparitions. À Jingdezhen, capitale de la porcelaine chinoise, les objets trouvés dans une usine abandonnée sont porteurs de mémoire. Ils ne sont ni restaurés ni transformés : ils sont regardés comme des fossiles. Leur surface garde la trace de gestes industriels, d’usages répétés d’une activité aujourd’hui disparue. Jingdezhen Fossils ne produit pas un nouvel objet ; il devient le témoin d’un temps révolu.

      Si Jingdezhen Fossils fige des artefacts, les moules à pain de Pain de Py Froid capturent, quant à eux, le relief d’un territoire. Les courbes du rocher s’impriment dans la pâte, tandis que l’emballage du pain devient une carte retraçant un réseau d’acteurs locaux. Ici, le temps est celui de la fermentation, du paysage en mouvement, les montagnes étant les témoins du temps géologique, et des liens tissés sur un territoire. Le pain est à la fois archive géologique et aliment. L’évolution des chaînes de montagnes, le cycle de la nature ou encore la présence de l’eau sont autant de marqueurs de l’histoire de notre planète. La fontaine Jardinons ! adopte une position active en évoquant le temps à la manière d’une clepsydre. Elle rend visible le parcours de l’eau, de son ruissellement jusqu’à son infiltration vers les racines. Ce qui reste habituellement invisible – l’irrigation souterraine – devient perceptible.

      Alors que la fontaine Jardinons ! invite à la contemplation, le Minitel, témoin des années 1980, marque une accélération brutale des modes de communication. Mis en regard avec la Tablette d’argile, il révèle comment la pensée circule selon la nature du support : lourde et locale dans l’argile, fluide et connectée dans le réseau numérique. Dans les deux cas, l’objet conditionne le périmètre et la vitesse de transmission, influençant directement notre rapport au temps.

      Les objets donnent souvent l’impression d’une certaine permanence, comme s’ils étaient destinés à nous survivre. Mais à l’ère du numérique, nos artefacts contemporains pourront-ils réellement traverser les siècles comme l’ont fait les tablettes d’argile des civilisations anciennes ?

K.
Une chose peut
en devenir une autre

12.1 12.2 23.2 24.2 25. 74.

À partir de références communes, un déplacement s’opère et porte notre attention sur certains détails. La matière n’est ici pas seulement un moyen de donner forme au bâti ou aux outils, mais aussi à la pensée.

      Le design n’est pas seulement une pratique tournée vers les humain·e·s : il dessine un paysage et peut constituer un territoire pour d’autres espèces. Avec la modernisation des infrastructures urbaines, les bâtiments en pierre et les toitures en tuiles sont progressivement remplacés par des murs lisses et des toits plats, supprimant les recoins nécessaires à la nidification. Les Objets destinés aux oiseaux en milieu urbain s’inspirent des formes de toitures qui permettaient aux oiseaux de s’y abriter. Le projet assume une esthétique industrielle pour en faire un support d’accueil.

      Cette attention portée aux structures existantes se retrouve dans Fragments. Si l’on reconnaît immédiatement les références mobilisées par les Objets destinés aux oiseaux en milieu urbain, l’origine des outils Fragments est plus ambiguë. Ils sont issus de morceaux d’objets manufacturés, récoltés, photographiés, classés puis réassemblés en outils de table. Les fragments ne sont plus des déchets, mais deviennent des possibilités pour de futurs usages. La vaisselle Acousma repense également notre relation aux objets du quotidien. Au-delà de sa forme, c’est sa qualité sonore qui retient l’attention. En hybridant objets usuels et instruments, le son n’est plus un simple bruit de fond : il révèle que nos déplacements, nos gestes et nos habitudes composent une partition quotidienne.

      Si les pièces précédentes font appel au corps, à la matière et au toucher, les suivantes mobilisent davantage l’écriture et la pensée. La Tablette d’argile fait partie d’une série d’objets qui ont transformé notre manière de penser et de conserver la mémoire. Elle marque un moment décisif dans l’histoire, celui où la pensée se fixe dans la matière. La stèle pictographique Stèle de Syna, inspirée d’un modèle égyptien, rejoue ce geste en transposant un système d’écriture contemporain dans une forme historique. Dans les deux cas, il s’agit de rendre visibles des outils servant à transmettre la pensée, où l’écriture joue ainsi un rôle de mémoire pour les sociétés.

      De la même manière que nos choix architecturaux ont des répercussions sur la vie d’autres espèces, nos modes de communication influencent la manière dont nous nous comprenons les un·e·s les autres.

L.
Les traces
que nous laissons

01. 49. 56. 58. 64. 78.

Ce diorama s’intéresse à la notion d’identité et ce qui la compose, aux traces que nous laissons et à leurs effets sur nos environnements, naturels, technologiques ou sociaux.

      L’installation Multibiote, Électrobiote, Anthropochienne révèle des fragments oubliés de l’identité de l’artiste, témoignant d’une transition en cours. Destinée à s’estomper avec le temps, la photographie Vivace incarne également une volonté de mutation, remettant en question la quête d’éternité propre à l’image photographique. L’usage de techniques naturelles dans son développement oppose la lenteur à la surconsommation d’images. À l’inverse Vivace, Artefacts questionne l’instantanéité de nos modes de vie en combinant photographie et intelligence artificielle, alimentée par un flux massif d’images. Résidus, moulage en plâtre, dernière trace matérielle d’un lieu disparu, évoque quant à lui l’obsolescence du geste humain. Les bâtons de marche Sentyé mêlé dénoncent la surfréquentation des sentiers de la Guadeloupe tout en rappelant les courses émancipatrices qui y ont eu lieu à l’époque coloniale. Ces œuvres montrent ce qui reste après notre passage et révèlent comment nos activités laissent leurs empreintes sur les environnements que nous traversons.

      La tentative de rapprocher environnement naturel et cadre artificiel se traduit à la fois par l’intégration de vies végétales dans notre quotidien et par la collaboration avec les éléments naturels. Le mobilier Foyer au cœur végétal devient un objet vivant, en mêlant plantes et matériaux tel que le feutre. Il rappelle que prendre soin du vivant est une responsabilité quotidienne qui invite aussi à considérer nos objets comme une entité à protéger. Cette interaction avec la nature prend une autre dimension lorsqu’elle devient mélodie, laissant l’humain·e en retrait. Ainsi, l’instrument à vent Murmure des marais joue avec les sons des zones humides pour révéler la fragilité des écosystèmes que nous traversons sans y prêter attention.

      « Les traces que nous laissons » rappelle que nos traces ne sont jamais neutres et qu’elles influencent la nature, l’espace et le temps.

Entre recto et verso

55.

Entre recto et verso

80.